Describe la época entre 1925 y 1944. En veinte diferentes contribuciones se tratan los temas relevantes de la época, entre otros: el arte cinematográfico desde el film revolucionario ruso a través de la vanguardia y los experimentos del cine sonoro, hasta el clasicismo cinematográfico de comienzos del decenio de 1940; obras sobresalientes del cine de género, los grandes cómicos, el film fantástico, el film de gangsters y la comedia musical.
Una obra que reúna todos aquellos realizadores que han escrito páginas memorables en la historia del cine. No es tarea fácil recopilar la trayectoria de los directores esenciales del universo cinematográfico. Y es que hoy en día a nadie se le escapa ya la gran influencia que ha ejercido el cine en nuestra vida. Por eso, es de suma importancia tener a nuestro alcance una obra que trata de "reunir a aquellos realizadores en posesión de un estatus de autor que hubieran desarrollado su propia concepción del cine y una expresión cinematográfica original". De Tim Burton a Charlie Chaplin, de Stanley Kubrick a Fritz Lang, de Federico Fellini a Yasujiro Ozu, de Jean Renoir a Woody Allen y Orson Welles este libro propone a todos los cinéfilos una selección de 200 realizadores que han escrito la historia del cine. Una obra que rinde homenaje a los cineastas que "filman como respiran", para retomar la expresión de François Truffaut refiriéndose a Jean-Luc Godard. Todo ello sin olvidar a los realizadores que en España, y en ocasiones, en situaciones muy difíciles, han conseguido crear un universo particular alejado de estereotipos y modas: Buñuel, Bardem, Berlanga, Saura,...
Hay que leer con atención el libro y uno se va dando cuenta, poco a poco, de que se trata de un texto de secretos vasos comunicantes, de caprichos muy personales, donde el cine es un pretexto para hablar de historia, de filosofía, de trivia, de dudas o incluso de modelos de construcción dramática. He leído estas Imágenes escritas de un soplo y uno se va dando cuenta de que los textos no sólo fueron concebidos para publicaciones aisladas. Hay textos que no existen sino en este Libro. Ellos sirven de tejido interno para que el volumen haya sido levantado casi como una novela cinéfila, en la cual hay un planteamiento a través de la prehistoria (los Lumiere, Mélies, Caligari, Stroheim, el slapstick, Murnau, Dreyer ... ), se abre el horizonte con los que atravesaron del mudo al sonoro (Von Sternberg, Lang, Renoir, Ford .. .), para luego entrar en el territorio de los conflictos (Welles, Hawks, Powell, Reed, Donen, De Sica, en fin, Ozu, Mann, Ray ... ), llegar a los mejores clímax del cinéma d\'auteur (Truffaut, Fellini, Wilder, Visconti, Bergman ... ) hasta cabalgar en desenlaces abiertos en los que González mezcla a Coppola con Víctor Erice y concluye, como buen crítico ...
Esta es una difícil selección de los momentos de la historia del cine que Ascanio Cavallo y Antonio Martínez reivindicaron en 1995 para el libro "Cien claves del cine". Fue una obra rigurosa y atrevida. Rescatar de los torrentes del cine universal sólo cien títulos para articular, a partir de allí, un canon cinematográfico representativo de la evolución y las potencialidades del séptimo arte es una decisión muy jugada y que está en la base de la función crítica que ambos han ejercido por años. Los dos son críticos agudos y perspicaces. Los dos tienen coherencia y mirada personal. El cruce de la perspectiva de uno con la del otro produjo un libro valioso, necesario y fascinante, del cual este recoge excelentes fragmentos. Es un tributo a lo mejor del cine. Es también un tributo a la amistad. (Héctor Soto).
Pablo Ferrando García es Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universitat de València. Actualmente ejerce como profesor en los Ciclos Formativos de Grado Superior de Formación Profesional de la familia de Comunicación, Imagen y Sonido en el Colegio Juan Comenius (Valencia). También es profesor asociado en la Universitat Jaume I de Castelló donde imparte Narrativa y Tecnología Audiovisual. Ha colaborado en la Televisión Valenciana durante el curso 91-92 como ayudante de realización en el programa cultural Enquadres. Ha participado en diversas publicaciones como Qué y Dónde, Banda Aparte, La Madriguera de El Viejo Topo y Mono. Ha realizado su Tesis Doctoral con el título Trilogía de la Guerra de Roberto Rossellini: La Ficción de la Experiencia. Es miembro de la Asociación Española de Historiadores del Cine (AEHC). La colección de textos Guías para ver y analizar cine es un proyecto pedagógico de las editoriales Nau Llibres y Octaedro, cuya finalidad es ofrecer unos análisis monográficos, rigurosos y exhaustivos, de películas fundamentales de la historia del cine. El lenguaje claro y didáctico de estas guías permite su adaptación a los diferentes...
Este libro aborda, por un lado, el giro icónico, pictórico o visual en las ciencias humanas y algunos de los desafíos que plantea. Por otro, diagnostica una ansiedad típica de comunidades que se han sometido al dominio del porvenir. Ante la aceleración del tiempo y la compresión del espacio, frente a su extrema volatilidad, la memoria, su musealización y monumentalización, se ha erigido en una ciudadela que nos protege de ese foco de angustias, en un bastión de autenticidad sitiada por los relatos oficiales. Sin embargo, si la memoria y el futuro algún momento albergaron una esperanza progresista y emancipatoria, su exaltación y mercantilización actuales los ha degradado a una baratija venal, producida y consumida industrialmente, y sobreexplotada por el lucrativo negocio de lo virtual y de lo nostálgico.
Páginas de cine es una selección de las columnas sobre cine que Luis Alberto Álvarez escribió en distintos medios periódicos colombianos entre 1976 y 1995, y que no había vuelto a ser publicada desde 1998. Luis Alberto Álvarez no solo realizó un constante y juicioso trabajo de crítica cinematográfica —de las cuales se compilan cerca de 270 piezas en los tres volúmenes que componen el libro—, sino que además propulsó la crítica de cine en nuestro país, nos mostró lo mejor del cine mundial y, principalmente, contribuyó a formar un público con criterio para ver y juzgar cine.
Un imprescindible recorrido por el séptimo arte, su grandeza y su magia, de la mano de uno de sus mejores conocedores e intérpretes. Ángel Fernández-Santos fue hasta su muerte, en 2004, la figura más prestigiosa y reconocida de la crítica cinematográfica española, no sólo por su titularidad desde 1982 como crítico del diario El País, sino porque para muchos aficionados al cine en nuestro país él encarnaba plenamente la condición de crítico cinematográfico y representaba una tradición en vías de extinción: aquella crítica capaz de aunar el conocimiento y la pasión, la atracción por el cine y la dimensión literaria de la escritura sobre cine, el compromiso y el placer del espectador atento y privilegiado. Esta obra recoge, gracias a la extraordinaria tarea del crítico e historiador del cine Carlos Heredero, casi cuarenta años de críticas de películas, reflexiones sobre el cine y perfiles de directores y actores.
Análisis del cine y la singular concepción cinematográfica que rinde culto a la estética de la imagen sin olvidar la fuerte influencia que ha ejercido en Angelopoulos la historia y la cultura griega.
Este libro recoge las memorias del curso Sensibilidad y pensamiento cinematográficos, y el trabajo posterior al mismo, que ofrece la Universidad Nacional de Colombia como asignatura de contexto. Este curso tuvo lugar en el primer semestre académico del año 2010, inmediatamente después de la muerte de Eric Rohmer (1920-2010). El profesor y los estudiantes, quienes pertenecen a varias facultades de la Universidad, admiradores sin reservas del gran cineasta francés, conformaron un grupo de investigación para sustentar y perfeccionar los distintos ensayos que se encuentran en este libro. Rohmer fue una de las figuras centrales del movimiento conocido como la Nueva ola francesa, director escritor de los Seis cuentos morales que enseñan a pensar tan seria como pasionalmente en el cine, dejando entrever claramente su esencia, nunca desligada para él de un íntimo vínculo con las demás artes, la filosofía y la ciencia. Rohmer se expresó, con una austeridad absoluta, acerca de las cosas que no por pasar por elementales dejan de ser las más importantes de la vida. Su obra se ocupa, entre otros asuntos, de la continuidad entre lo viejo y lo nuevo, la juventud y la madurez, lo...
"Fábulas de lo visible" disecciona los mecanismos de los que dispone el cine como constructor de realidades autónomas. El libro arranca con un peculiar suceso, la realización de la película "La Recepción de S. M. Alfonso XIII en Barcelona", de 1904. Su particularidad reside en que su director, Segundo de Chomón, no pudo conseguir un buen emplazamiento para captar el evento; así, en el film, se impone más la presencia de la multitud expectante que la del personaje agasajado, que queda difuso tras las cabezas de los espectadores. A ello, Quintana contrapone el documental de Leni Riefenstahl sobre el congreso nacionalsocialista celebrado en 1934 en Nuremberg, "El triunfo de la voluntad", en que la escenografía y la organización del acto están ya concebidas para la cámara. No hay ningún respeto al orden cronológico ? lo que importa es la arquitectura general de la representación y su ajuste a las necesidades estéticas del discurso político. Éste es un estudio que indaga cómo el medio cinematográfico ha sido capaz de construir numerosas fábulas sobre lo visible y sobre las múltiples percepciones que se generan en un mundo marcado por lo virtual.
Vivimos rodeados de pantallas. En casas, en calles, en trabajos, en metros, en aviones, en bares, en tiendas, en centros comerciales. Las pantallas forman una parte indispensable de nuestra vida cotidiana. No podemos vivir sin ellas. No podemos trabajar sin ellas. No podemos viajar sin ellas. Si hace unos años su presencia estaba limitada a ámbitos como las salas de cine o el propio hogar, actualmente la pantalla es omnipresente y se manifiesta por doquier, en el espacio público y en el privado; una pantalla que adquiere formas, funcionalidades y tamaños diferentes, que se multiplica y cambia con cada nueva generación de dispositivos. La pantalla se ha convertido en la prótesis más importante de nuestras vidas, una extensión inevitable de nosotros mismos. Pasamos más tiempo delante de una pantalla que de cualquier otro tipo de dispositivo. La utilizamos para leer libros, para ver películas, para escuchar música, para jugar a videojuegos, para comunicarnos con los demás, para socializar, para entretenernos, para informarnos y para trabajar. Todos parecemos saber qué es una pantalla y sin embargo conocemos muy poco sobre su historia y las múltiples fases por las que ha ...
Este segundo tomo de Arte, sociedad y política -historia de las artes de la colección Nueva Historia Argentina- vuelve a centrarse en el complejo devenir de las artes plásticas en nuestro país, completando el panorama presentado en el tomo primero con los hechos ocurridos en ese campo desde 1920 hasta nuestros días.
La semiótica es el estudio de toda clase de signos: palabras, imágenes, sonidos, gestos y objetos; es decir, de toda realidad que colocamos en lugar de otra. Los signos, además, forman parte de un sistema que les otorga significado. Este libro, un gran tratado de semiótica para universitarios, profundiza las teorías estructurales sobre los signos y los significados.
En «Rafael Azcona: hablar el guión» se busca una aproximación diversa y abierta a la trayectoria creativa de Rafael Azcona (Logroño, 1926), la cual, a través de la escritura de guiones, pero también de novelas, relatos y poemas, abarca más de medio siglo de la vida de la sociedad española y de la europea en general. Pretende, al mismo tiempo, explicar a este escritor empleado en el cine como un circuito de temas, personajes e ideas y como una invitación permanentemente activada a “hablar el guión”, lo que ha venido constituyendo el motor de su trabajo: el método locutorio y participativo que ha hecho de su colaboración profesional con realizadores como Ferreri, García Berlanga, Saura, Fernán-Gómez, Olea, Cuerda, Masó, Lombardero, García Sánchez, Gutiérrez Aragón o los hermanos Trueba —entre otros— una conversación animada, amena y crítica sobre las paradojas y fulgores del vivir.
De los grandes cineastas franceses, François Truffaut es, sin duda, uno de los que más escribió sobre cine: al principio, en los años cincuenta, como crítico virulento y polemista innato; luego, cuando ya era director, como agudo ensayista, siempre dispuesto a imaginar prólogos para los libros de sus amigos o a hablar de sus cineastas favoritos. A principios de los años ochenta, Truffaut proyectaba publicar una nueva recopilación de artículos que iba a constituir la prolongación de su libro Las películas de mi vida, aparecido en 1975. Ese volumen debía reunir numerosos artículos de todas las etapas de su escritura: desde las críticas aparecidas en Arts y Cahiers du cinéma hasta textos más recientes, fruto de su experiencia como director, ensayos cortos en los que rendía homenaje a directores, escritores y actores con los que mantuvo un estrecho contacto: Jean Renoir, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Charles Chaplin, William Irish, Pierre-Henri Roché, Catherine Deneuve, Isabelle Adjani, Fanny Ardant, Jean-Pierre Léaud... François Truffaut (1932-1984), uno de los máximos exponentes de la Nouvelle Vague francesa, dirigió películas hoy en día tan famosas como...
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